Collagraph Print Making
Michelle Hong
Uncertainty (2025)
Collagraph Print
19” X 25”, Rives BFK Paper (180gsm)
What is Collagraph? How to build a Collagraph?
This video is a short description about printmaking process in collagraph.
Artist Statement
My artwork explores anxiety within the inner mind and expresses disobedience as a healing method. The cultural gap between where I was born and where I live creates a sense of anxiety. The trauma of uncertain survival without cultural connection is deeply imprinted in my unconscious mind, often without conscious recognition. I deeply investigate anxiety by examining how artists in the past overcame it through artistic incorporation.
My interest in expressing discomfort led me to question: How did artists in the Surrealist movement transition their artworks from fine art to prints, and what techniques did they use in response to World War I? The immense trauma of World War I drove Surrealist artists to embrace exaggerated freedom in their artworks and prints, positioning them as avant-garde expressions. Pierre Naville (1903–1983), a leftist sociologist, criticized Surrealism as an “accident of gestures,” where images retraced dreams (Elder 326). Surrealist artists had to contend with these criticisms and, in doing so, became revolutionaries. The “unbound energy within the unconscious” (Mundy 27) that emerges through Surrealist artists aligns with the idea of “artist’s spontaneity” (Durozoi 23).
My interest in collagraph stems from Surrealism’s approach to collage prints as a form of experimentation. Max Ernst’s The Fugitive (1926) and Maximiliana (1964) inspire me to experiment with line and text arrangement in new ways. My collagraph print practice explores the transformation of drawn lines into three-dimensional textures using strings. It is also profoundly connected to my bodily sensations. I explore softness and roughness, incorporating textures into my work as tangible extensions of my physical experiences. By collecting these invisible feelings, I translate them into my art. This process resonates with my past tactile memories. The interplay of black and white contrasts in Ernst’s prints informs my exploration of printmaking as both image and object.
My drawing practice also engages with Ernst’s frottage technique, which involves tracing as more than just an “automatic means of expressing an unconscious or unstructured mood” (Ernst 96). I represent hands as an object, investigating realistic textures to depict subconscious desires. My drawings also focus on eyes, symbolizing a pure gaze as a significant force in visibility. By rubbing various elements in different colours, I collect an array of textures and integrate them into my collagraph prints. This process allows me to incorporate different materials into collagraph while experimenting with engraving techniques inspired by Ernst’s ability to obscure traces of the work process, as seen in his photomontages. His approach also explored the potential of a new type of painting (Ernst 96).
Through collagraph, collage, tracing, layering, and printmaking, my artistic practice expresses my subconscious. It aligns with the idea of “a vision of desire as an active, ever-creative force” (Mundy 27) within the concept of Surrealism.
작가의 말
내 작품은 내면의 불안을 탐구하며, 불복종을 치유의 방법으로 표현한다. 내가 태어난 곳과 현재 거주하는 곳 사이의 문화적 격차는 불안을 유발한다. 문화적 연결 없이 불확실한 생존을 경험한 트라우마는 내 무의식 속에 깊이 각인되어 있으며, 종종 의식적으로 인식되지 않는다. 나는 과거의 예술가들이 어떻게 예술을 통해 불안을 극복했는지를 연구하며, 불안에 대한 깊은 탐구를 이어간다.
나는 불편함을 표현하는 것에 관심을 가지면서 다음과 같은 질문을 던지게 되었다. 초현실주의 예술가들은 어떻게 회화에서 판화로 작품을 전환했으며, 제1차 세계대전에 대한 반응으로 어떤 기법을 사용했는가? 제1차 세계대전의 엄청난 트라우마는 초현실주의 예술가들로 하여금 작품과 판화에서 과장된 자유를 추구하게 했으며, 이는 아방가르드적인 표현으로 자리 잡았다. 좌파 사회학자 피에르 나빌(1903–1983)은 초현실주의를 “몸짓의 우연”으로 비판하며, 이미지가 꿈을 따라가는 방식이라고 설명했다(Elder 326). 초현실주의 예술가들은 이러한 비판에 맞서며 혁명가로서의 정체성을 구축했다. 초현실주의 예술에서 나타나는 “무의식 속의 해방된 에너지”(Mundy 27)는 “예술가의 자발성”(Durozoi 23)이라는 개념과 연결된다.
나는 초현실주의의 실험적 판화 기법에서 콜라그래프(collagraph)에 대한 관심을 가지게 되었다. 특히 막스 에른스트의 The Fugitive (1926)와 Maximiliana (1964)에서 영감을 받아, 선과 텍스트 배열을 새롭게 실험하고 있다. 내 콜라그래프 판화 작업은 선을 삼차원적 질감으로 변형하는 과정에서 실을 활용하며, 이는 나의 신체적 감각과 깊이 연결되어 있다. 부드러움과 거칠음 같은 촉감을 작품에 담아, 나의 물리적 경험을 유기적으로 확장한다. 나는 이러한 보이지 않는 감각들을 수집하여 예술로 변환하는데, 이는 나의 과거 촉각적 기억과도 맞닿아 있다. 또한, 에른스트 판화에서 보이는 흑백 대비는 내가 판화를 이미지이자 오브제로 탐구하는 방식에 영향을 미쳤다.
나의 드로잉 작업 역시 에른스트의 프로타주(frottage) 기법을 활용한다. 이 기법은 단순히 “무의식적이거나 구조화되지 않은 분위기를 표현하는 자동적 수단”을 넘어서(Ernst 96), 흔적을 남기는 행위 자체에 대한 탐구를 포함한다. 나는 손을 하나의 오브제로 표현하여, 사실적인 질감을 통해 무의식적 욕망을 묘사한다. 또한, 눈을 순수한 시선의 상징으로 다루며, 가시성의 강력한 힘을 탐구한다. 다양한 색채의 요소들을 문지르면서 여러 가지 질감을 수집하고, 이를 콜라그래프 판화에 통합한다. 이 과정은 여러 재료를 활용한 실험을 가능하게 하며, 에른스트가 포토몽타주에서 작업의 흔적을 흐리게 한 방식에서 영감을 얻은 것이다. 그의 접근 방식은 새로운 유형의 회화 가능성을 탐색하는 시도이기도 했다(Ernst 96).
나는 콜라그래프, 콜라주, 흔적 남기기, 레이어링, 판화 기법을 활용하여 내 무의식을 표현한다. 이는 초현실주의의 개념과 맞닿아 있으며, “욕망을 능동적이고 끊임없이 창조적인 힘으로 보는 비전”과 연결된다(Mundy 27).
Bibliography
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Shira Wolfe의 The History of Collage in Art (Artland Magazine, 2023)
이 참고문헌들은 초현실주의와 판화, 막스 에른스트의 작품과 기법, 다다이즘과의 연관성 등을 연구하는 데 중요한 자료로 활용될 수 있다.