Artist Statement

My practice investigates the material residues of affect as they are inscribed upon the body and transformed through material processes. Working across ceramics, performance, and photography, I examine how touch, repetition, and corporeal gesture can externalize sensations that resist linguistic articulation. Through acts of rubbing, pressing, gripping, throwing, and manipulating clay, I translate internal states into physical gestures, allowing emotion to accumulate as a material trace upon the surface.

My practice is informed by the experience of growing up between Korea and Canada, where I encountered divergent cultural frameworks surrounding identity, belonging, stability, and success. Moving between these environments made me increasingly conscious of the ways in which I negotiated my position within different social contexts. While I encountered expectations in Korea that often privileged stability, social harmony, and established trajectories, my experience in Canada introduced different possibilities and challenges of self-definition. Rather than understanding these cultural differences as fixed oppositions, I became interested in the space between them—the instability of belonging and the ways in which identity is continually constituted, internalized, and reconfigured through one’s surroundings.

This sense of in-betweenness has become embedded within my material practice. I approach identity not as a stable or coherent entity, but as an ongoing process shaped through cultural encounters, memory, and embodied experience. The tensions between familiarity and estrangement, restraint and release, and intention and contingency recur throughout my work. Repetitive gestures become a means of negotiating these tensions, while the physical resistance of clay provides a space in which internalized emotions can be made tangible.

My work is also situated within the cultural memory of Korea, particularly through my engagement with the concept of han (한). Rather than treating han as a singular or predetermined cultural emotion, I consider it as an accumulation of unresolved affect—one shaped by experiences of loss, endurance, restraint, and persistence. I am interested in how such affective histories can persist beyond language and become embodied, not only through collective memory but through individual physical experience. Within my practice, han therefore functions less as a fixed cultural signifier than as a point of departure for considering how inherited emotions might be rearticulated through the body and material.

My understanding of gesture is informed by Surrealism and Abstract Expressionism, particularly their engagement with the unconscious, automatism, and spontaneous mark-making. I begin from sensory encounters with texture, temperature, friction, softness, and resistance, allowing these tactile experiences to initiate physical movement. The pressure exerted by the hand, the deformation of clay, and the subtle alteration of its surface become records of an embodied process. Rather than illustrating emotion, I seek to allow emotion to emerge through the material conditions of making itself.

Glaze extends this investigation by introducing a further degree of fluidity and contingency. I rub, scatter, and pour glaze through intuitive and repetitive gestures, allowing its movement to exceed complete control. The resulting marks emerge through an interplay between bodily intention, material viscosity, gravity, and the conditions of firing. The kiln consequently becomes an active participant in the work, transforming gestures into contingent surfaces through heat and chemical reaction.

This negotiation between agency and contingency is central to my practice. I am interested in relinquishing a degree of authorial control in order to encounter outcomes that exceed my initial intentions. These moments of unpredictability create a space for self-reflection, where the material process becomes a means of reconsidering my own assumptions, memories, and modes of inhabiting the world.

Having moved between Korea and Canada, I continue to approach cultural identity as something fluid, relational, and perpetually in formation. I seek to place my practice within unfamiliar cultural and material contexts, where encounters with different environments, traditions, and ways of making can disrupt habitual modes of thinking and generate new forms of embodied knowledge. Through this process, I continue to investigate how emotion, memory, and identity can be translated into material language through the body.

작가 노트

나의 작업은 신체에 각인된 정동(affect)의 잔여가 물질적 과정 속에서 어떻게 변형되고 흔적으로 남는지를 탐구한다. 도자, 퍼포먼스, 사진을 중심으로 작업하며, 언어로 온전히 설명하기 어려운 감각과 정서가 촉각, 반복, 신체적 제스처를 통해 어떻게 외부화될 수 있는지 탐구한다. 점토를 문지르고, 누르고, 쥐고, 던지고, 변형하는 행위의 반복을 통해 내면의 상태를 물리적 제스처로 전환하며, 감정이 표면 위에 물질적 흔적으로 축적되는 과정을 작업의 중요한 요소로 삼는다.

나의 작업은 한국과 캐나다를 오가며 성장한 경험에 기반한다. 두 문화적 환경에서 살아가며 정체성, 소속, 안정, 성공을 둘러싼 서로 다른 사회적·문화적 규범을 경험했고, 각각의 환경 속에서 나 자신의 위치를 끊임없이 조정하고 협상해왔다. 한국에서는 안정과 사회적 조화, 이미 형성된 삶의 경로를 중시하는 문화적 기대를 경험한 반면, 캐나다에서는 다른 문화적 환경 속에서 자신을 정의하고 구성해나가는 가능성과 동시에 그 과정에서 발생하는 여러 도전을 경험했다. 나는 이러한 문화적 차이를 고정된 대립 관계로 바라보기보다, 그 사이에 존재하는 불확실성과 간극에 주목하게 되었다. 이러한 ‘사이’의 경험은 소속에 대한 감각뿐 아니라, 개인의 정체성이 주변 환경과의 관계 속에서 끊임없이 형성되고 내면화되며 재구성된다는 인식으로 이어졌다.

이러한 문화적 경계에서의 경험은 나의 물질적 실천에도 내재되어 있다. 나는 정체성을 안정적이고 일관된 실체라기보다 문화적 만남, 기억, 신체적 경험을 통해 지속적으로 구성되는 과정으로 바라본다. 익숙함과 낯섦, 억제와 해방, 의도와 우연 사이의 긴장은 작업 전반에 반복적으로 나타난다. 반복적인 제스처는 이러한 긴장을 조율하는 행위가 되며, 점토가 지닌 물리적 저항은 내면화된 감정과 감각을 가시화하고 물질화하는 공간으로 작용한다.

나의 작업은 또한 한국의 문화적 기억, 특히 ‘한(恨)’이라는 개념과 연결되어 있다. 나는 한을 하나의 단일하거나 고정된 문화적 정서로 규정하기보다, 상실, 인내, 억제, 지속의 경험이 축적된 미해결의 정동으로 바라본다. 이러한 정동이 언어를 넘어 어떻게 지속되며 신체에 체화될 수 있는지에 관심을 두고 있다. 따라서 나에게 한은 특정한 문화적 기호를 재현하기 위한 개념이라기보다, 역사와 문화 속에서 축적된 감정이 개인의 신체적 경험을 통해 어떻게 재구성되고 새로운 형태로 발화될 수 있는지를 탐구하기 위한 출발점이다.

제스처에 대한 나의 이해는 특히 초현실주의와 추상표현주의가 무의식, 자동기술(automatism), 즉흥적 행위와 흔적을 다루어 온 방식에 영향을 받았다. 나는 질감, 온도, 마찰, 부드러움, 저항과 같은 감각적 경험에서 출발하여 이를 신체의 움직임으로 전환한다. 손이 가하는 압력, 점토의 변형, 표면의 미세한 변화는 제작 과정에서 발생한 신체적 경험의 기록이 된다. 나는 감정을 직접적으로 재현하기보다, 감정이 물질을 다루는 과정 자체에서 발생하고 축적되도록 한다.

유약은 이러한 탐구에 또 다른 유동성과 우연성을 부여한다. 나는 손의 움직임에 따라 유약을 문지르고, 흩뿌리고, 흘려내리며 그 흐름이 완전히 통제될 수 없는 상태를 받아들인다. 표면에 남는 흔적은 신체적 의도뿐만 아니라 유약의 점성, 중력, 재료의 성질, 소성 조건이 상호작용한 결과로 나타난다. 가마는 따라서 단순히 작품을 완성하는 도구가 아니라, 나의 제스처를 예측할 수 없는 표면으로 변환시키는 능동적인 과정의 일부가 된다.

행위 주체로서의 의도와 재료가 만들어내는 우연성 사이의 협상은 나의 작업에서 중요한 위치를 차지한다. 나는 일정 부분의 작가적 통제(authorial control)를 내려놓음으로써 처음의 의도를 넘어서는 결과와 마주하고자 한다. 이러한 예측 불가능성은 나의 기존 인식과 기억, 그리고 세계를 경험하는 방식을 다시 바라보게 하는 계기가 된다. 재료와의 상호작용 속에서 발생하는 우연한 결과는 나 자신과 내가 속한 환경을 새롭게 이해하기 위한 하나의 사유의 공간이 된다.

한국과 캐나다 사이를 이동하며 살아온 경험을 통해 나는 문화적 정체성을 고정된 것이 아니라 관계적이고 유동적이며 끊임없이 형성되는 것으로 인식하게 되었다. 앞으로도 익숙하지 않은 문화적·물질적 환경 속에 나의 작업을 위치시키고, 서로 다른 환경과 전통, 제작 방식과의 만남이 기존의 사고방식과 작업의 습관을 어떻게 흔들고 새로운 신체적 지식을 생성하는지를 탐구하고자 한다. 이를 통해 신체에 축적된 감정과 기억, 그리고 문화적 경험이 어떻게 물질적 언어로 전환될 수 있는지를 지속적으로 탐구하고 있다.